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Edna Carla Stradioto

Watercolor painter from Brazil

¿Cuáles dirías que son los ejes temáticos en tu obra? 

Sin duda, mi principal eje temático es el estilo figurativo. Por más que me desafío a crear paisajes fantásticos, me doy cuenta de que no puedo abandonar la representación plástica que define los límites del figurativo. En el figurativo, me encanta especialmente los retratos, pero recientemente fui influenciada por el encantamiento de los paisajes de pasto.

Me doy cuenta de que hay cada día más la influencia del pasto en mis escenarios. Mis pinceladas están incorporando el movimiento del pasto, las direcciones del viento en las plantas, y toda la fluidez etérea del aire que puede ser capturada por el pincel para la creación de las imágenes que intento retratar cada vez más.

¿Cómo definirías qué es un cuerpo? Y ¿cómo son los personajes que retratas como parte del paisaje?

Evito ser realista. No tengo la pretensión de hacer pinturas que capturen realistamente lo que retrato.

Me desafío sólo a representar al mundo con la sensibilidad y la belleza que encuentro en mi relación con lo que veo. Mis retratos buscan demostrar la individualidad y la luz” de las personas por medio de miradas marcantes. Así, mis personas no son las personas como ellas son, sino cómo las amo y cómo las homenajeo con mis acuarelas.

Muchos de mis paisajes esconden pequeñas personas, sus siluetas y sus figuras porque me gusta pensar que en cada lugar hay una persona para apreciar conmigo ese ambiente. No siempre son perceptibles, a menudo prefiero ocultarlas porque trato de dirigir la mirada del espectador para recorrer los capellanes y el movimiento que creo producir con mis pincelados.

Pinto basicamente a las mujeres. El mundo ya ha sido protagonizado lo suficiente por hombres, ¿verdad? Broma! Pero no es por eso, es porque yo soy mujer y puedo entender la mirada femenina. Mi voz narrativa de mis imágenes tiene mucho de mi personalidad, aunque no sean autorretratos.

¿Cómo definirías el paisaje y de dónde surge tu interés por retratarlo?

Me quedé años muy enfocada en la producción de retratos y me fascina la expresión de la mirada, la cual he ejercitado exhaustivamente. Pero, confesó, estaba necesitando un desafío, aunque no lo percibiera.

En vacaciones con la familia al sur de Brasil a comienzos de 2018, descubrí, aún en la carretera, capillas como plumas al viento. Campos y más campos en las marginales de la carretera entre São Paulo y Paraná. Caules finos y de unos 2 metros de altura, con lo que parecía un asador rosa claro en la punta, bailando al viento. Quedéme loca. Yo necesitaba parar y tocar eso, ver con las manos, descubrir si tenía olor, sentir con mi tacto y mi mirada. Entré en el medio del bosque para alcanzar la planta. Increíble, hermosa, perfecta. Tenía ganas de quedarme allí para siempre.

Pero no tenía idea de lo que era. Cosa mas linda. Tocó mis pasiones intensa y devastadoramente. Tacto suave, vástagos delicados llenos de pequeñas semillas, miles en cada tufo, formando en conjunto espiguillas rosadas que iban desde el claro al rosado oscuro, y que, en movimiento parecen flotar. Tomé dos flores para mí, parecían incluso una nueva forma de plumero, de un rosa brutalmente envejecido en la base, y que iba gradualmente aclarando en las puntas.

Yo tenía que saber lo que era aquello. Tomé foto y filmé. Le mandé a una amiga agrónoma para que me contara qué planta era aquella. Ella respondió a la hora: Cortaderia Selloana, más conocido como Capim de las Pampas.

Enlouqueci en internet con las fotos de ese tipo de planta. Me sorprendió el arrebatamiento.

Cuando volvía a casa, no existía nada que me hiciera volver a los retratos. Hice una serie de estudios con la planta. Intenté todas las técnicas que yo conocía en acuarela para retratar de la manera más etérea el pasto. Entre estudios, creé una primera serie de acuarelas que estaban compuestas por paisajes con Capim de las Pampas. Después de ella, resolví profundizar aún más en la pintura de ellos, y creé una segunda serie, que retrataba en fondo blanco, las varillas en destaque. No satisfecha, empecé una tercera serie, que llamé de Hairy Flower Spikelets. Es el vástago del Capim de las Pampas en extrema proximidad, ocupando todos los espacios del papel, con unos tres niveles de aproximación focal.

En cerca de tres meses yo produjo unas 100 acuarelas sólo con el tema de Capim de las Pampas. Yo estaba exclusivamente produciendo sólo paisajes.

Después de pintar tanto Capim de las Pampas, empecé a reparar los tipos todos de pasto: como son hermosos, como el movimiento del viento hace que el mismo paisaje se altere, gane vida, y sea capaz incluso de cambiar la gradación de luz y colores del medio. Entonces, resolví retratar varios paisajes con capilares variados. A poco mi pintura fue ganando montañas, caminos, colores, luces, y aspectos diferentes. Cuando me di cuenta, ya había cambiado mis pinceladas para tratar de seguir el movimiento que quería registrar. Así fue como empecé a crear los paisajes de pasto, y así empecé a transponer esas pinceladas a los retratos.

Es un momento de revelación para mí. Yo veo mucho del impresionismo en mi trabajo actual, y no me molesta con las comparaciones. Por el contrario, me envanece. ¡Quien me diera!

Ahorita, estoy haciendo una serie de estudios en retratos de mi hijo adolescente.La primera serie que hice de él, me sentía incómoda, porque pensé que no llegué a donde yo queria, pero me gusto el resultado. En esta segunda serie, está siendo aún más desafiante y estoy haciendo varios estudios para que pueda transponer aún más las pinceladas de pasto a las caras, pero aún no he conseguido alcanzar mis expectativas. Es un poco frustrante, pero, por otro lado, me motivo por superarme: mi metamorfosis.

¿Qué libertades o qué encuentras en la acuarela como técnica y lenguaje que no  tienen otros materiales?

Sólo trabajo con de acuarela en papel, aún ya he intentado acuarela em canvas. Fue una elección desde el principio, cuando tenía 17 años. A pesar de gustar mucho de pintura y amar a los impresionistas, sólo pinto aceite y acrílico como estudio para volver más sensible a mi campo de trabajo. Sin embargo, normalmente, incluso para estudios, pinto acuarela.

Para mí la acuarela tiene toda la versatilidad y flexibilidad posible. Es una técnica contemporánea, pero clásica; limpia, pero que posibilita las capas de tinta y la tonalización; delicada, pero intensa; precisa, pero translucida. En fin, todas las cualidades que podría existir para desafiar a un artista, existe en la acuarela.

¿Cuál es tu propia definición de arte?

El arte es el encuentro, el diálogo, la travesía.

¿Cuáles son tus principales influencias como artista? 

Siempre tuve un gusto sobresaliente por el mundo artístico desde muy pequeña.

A los 8 años de edad empecé a leer poesía. Lia los clásicos de la literatura en prosa y adoraba analizar las ilustraciones, especialmente de las portadas.

Participaba de saraus de poesía y exposiciones de arte del colegio. En el colegio pude practicar todo porque teníamos clases prácticas y yo adoraba todo, pintura con tinta, dibujo con lápiz, tiza o pluma; vidrieras; escultura; bordado; pirógrafo; tallar en madera; encapar cajas con tejidos; papel marché.

Me hice guitarra, piano y flauta, entre 12 y 14 años.

Fia clases de danza por más de quince años.

Pero fue el viaje a París, a los 17 años, y en particular, una visita a Giverny que movió una pasión por el impresionismo. Monet se convirtió en la mayor influencia en mi vida, y cuando volví de Francia a Brasil, empecé a tomar clases de pintura, sólo acuarela.

Cuando volvía a pintar, muchos años después de haber abandonado totalmente los pinches, tuvo una artista en particular que me influenció y me motivó a volver: la italiana Agnes Cecile. Yo pasaba horas admirando cada una de las acuarelas de ella, los vídeos, mirando cada detalle como quien mira por la razón de vivir. Fue ella, sin saber, que me ayudó todos los días en que yo miraba las tintas, los papeles y los pinceles, y pensaba que era demasiado tarde para volver.

¿Cuáles son tus artistas visuales favoritos?

Muchos. Amo todo.

Mi mayor admiración es por Agnes Cecile, a quien tuve el honor de conocer el año pasado y con quien hice un taller. Lo que más me impresiona en ella es la capacidad de reinvención en el estilo de retratos, como la pintura de ella es transparente y suave, y cómo ella captura la mirada de las personas de forma tridimensional.

También amo la fotografía. Paso horas mirando imágenes. Mi artista favorito en esa categoría es el Sebastião Salgado, un brasileño que registra el mundo por una mirada única, transformadora, arrebatadora, crítica.

¿Puedes mencionar algún libro o autor que te inspire y forme parte de tus procesos creativos? 

Amo la literatura. La verdad! Estudio illustracciones de las obras literarias canónicas. Actualmente hago maestría y estudio el ilustrador norteamericano N. C. Wyeth en las leyendas arthurianas. Ha sido emocionalmente volver a manuscritos del inicio de la Edad Media y conocer leyendas orales, que se convirtieron manuscritos escritos hechos con nanquim en papiros, y que dieron inicio a las novelas de caballería que aún hoy son tan relevantes y tan significativas. 

Mi autor favorito es Guimarães Rosa, que tiene la medida correcta de la brutalidad del “sertão” brasileño, la creatividad más marcada que he encontrado en prosa y con el trabajo de lenguaje, y la capacidad de retratar historias de personas comunes, explorando sensibilidades universales, como ningún otro.        

¿Por qué decidiste ser artista? 

Desafortunadamente, a pesar del incentivo de mi familia en estudiar varias ramas del arte, todo eso no debería pasar de hobby. Para ellos, el arte no debería involucrar una carrera profesional, pero a pesar de ser una práctica ocasional. Cuando dije que quería hacer artes plásticas, me impidieron. Como yo era muy nueva y respetada mucho la opinión de ellos, fui al área de administración de empresas.

Había pasado una década que había ido a la universidad y decidí que necesitaba volver a la universidad, para hacer lo que me gustaba. Comencé a estudiar para el vestibular, cuando descubrí que estaba embarazada. Prometi para mí misma que los diez años siguientes me dedicaría a la maternidad y dejaría mis planes para después. Cuando mi hijo tenía nueve años, mi marido percibió como yo estaba infeliz con la carrera financiera y me apoyó mucho para dejarlo, y me animó a volver a la pintura. Ese fue mi gatillo, el apoyo de mi marido.

Volví a la universidad a estudiar literatura y volví a pintar.

Comencé a publicar mis acuarelas en el Instagram y cuando me di cuenta, tenía gente que yo ni me conocía elogiandome, recibía invitaciones para exposiciones y comissiones de pinturas, y todo fue evolucionando hasta las exposiciones variadas, colectivas y suelos, en Brasil y en el exterior.

Es que no tengo um minuto a perder. Ya he perdido mucho!

Menciona una frase o cita que defina tu inspiración al crear. 

            Hay una canción de Raul Seixas, brasileña, que dice “yo prefiero ser esa metamorfosis ambulante que tener esa vieja opinión formada sobre todo”.

Es casi como un mantra. Para mí es muy importante sentir que estoy evolucionando, que me estoy reinventando, que salgo de mi zona de confort, que habito fuera del cuadrado, que estoy en contacto conmigo mismo, pero también con lo nuevo.

Y, por encima de todo, me permito tener mis propias opiniones aunque sean sólo mías. Mi autonomía, mi independencia y mi conciencia deben estar en consonancia con mis ideologías, incluso con las imperfecciones y las fallas que yo pueda tener.

Evolucionar no es ser mejor que los demás, es cuando consigo ser mejor que yo misma, un poco a la vez, sin compararme, sin disminuirme o aumentarme ante alguien. Ser mejor no es sobre ser perfecta, sino sobre ser una persona en sintonía conmigo misma, encontrar más paz dentro y fuera de mi mente, y percibir que, aun en un mundo tan lleno de incongruencias, encuentro cada día un motivo para seguir con dignidad.

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